25 Meesterwerken in het Musée d’Orsay in Parijs

Meesterwerken in het Musée d’Orsay in Parijs

In 1900 trok de Exposition Universelle duizenden kunstliefhebbers naar Parijs. Velen kwamen met de trein aan op het nieuwe Gare d’Orsay.

Wie van hen had kunnen bedenken dat het treinstation waar ze uitstapten een illustere instelling zou worden. Een collectie met de grootste collectie impressionistische kunst ter wereld.

Geopend in 1986 en gelegen op de linkeroever van de rivier de Seine tegenover het Louvre, herbergt het Musée d’Orsay vandaag de dag zo’n 100.000 werken uit de periode 1848-1914.

Voordat het gebouw, ontworpen door Victor Laloux, werd omgevormd tot een tentoonstellingsruimte voor schilderijen van onder anderen Berthe Morisot, Claude Monet, Camille Pissarro, Alfred Sisley en Gustave Caillebotte, vervulde het diverse rollen in het leven van de stad.

Nadat het buiten gebruik was gesteld als station. Het diende het als opvangcentrum voor gevangenen na de Tweede Wereldoorlog. Het was het een filmset voor Orson Welles’ film The Trial uit 1962 en werd het gebruikt als veilinglocatie terwijl het Hôtel Drouot was gesloten.

De omvorming tot museum werd geleid door architecten Renaud Bardon, Pierre Colboc en Jean-Paul Philippon. Hier zijn 25 meesterwerken uit de collectie van het Musée d’Orsay.

---

Website: www.musee-orsay.fr

---

Lees hier → meer over kunst op deze website.

---

25 Meesterwerken in het Musée d’Orsay in Parijs

---

Honoré Daumier, Les Célébrités du Juste milieu (1832)

Beroemdheden uit een goed milieu

Clément François Victor Gabriel Prunelle – Honoré Daumier, Les Célébrités du Juste milieu (1832)

De 36 Célébrités du Juste milieu zijn de overgebleven stukken van een serie van 40 bustes die Honoré Daumier (1808-1879) produceerde. Hij maakte ze in opdracht van Charles Philipon, de oprichter van de kranten Le Charivari en La Caricature.

De kunstenaar gebruikte deze geschilderde kleiwerken als modellen voor zijn lithografieën, die in beide satirische bladen werden gepubliceerd. De karikaturen bespotten politici van de Julimonarchie, het post-revolutie bewind van Lodewijk Filips in Frankrijk.

Te zien zijn onder andere advocaat André Dupin, bankier en natuuronderzoeker Jules Paul Benjamin Delessert en historicus François Guizot. In 1927 zijn de bustes verkocht door de kleinzoon van Philipon aan kunstuitgever Maurice Le Garrec, die ze liet restaureren. Ze zijn in 1980 verworven door het Musée d’Orsay.

---

Auguste Clésinger, Femme piquée par un serpent (1847)

Vrouw Gebeten door een Slang

Deze naakte vrouw heeft een slang om haar pols. Kronkelt ze van de pijn of van onbeheersbare passie? Vanwege deze ambiguïteit was zij, naast Thomas Couture’s schilderij De Romeinen in hun Decadentie, het gesprek van de dag op de Salon van 1847.

Auguste Clésingers model voor dit controversiële beeld was Apollonie Sabatier, alias La Présidente.  Sabatier was een Parijse schoonheid en muze van Baudelaire die een salon in Parijs hield. De kunstenaar werd fel bekritiseerd omdat hij haar lichaam naar het leven had gemodelleerd.

In de 19e-eeuwse kunstscene stond dit synoniem voor luiheid of gebrek aan integriteit. Voor schilder Eugène Delacroix was Vrouw Gebeten door een Slang niets anders dan een ‘gesculpteerde daguerreotypie’.

Het geïdealiseerde gezicht van de figuur en haar buitengewoon realistische rondingen, allemaal geplaatst op een rijkelijk versierd voetstuk, maken dit werk tot een representatief voorbeeld van eclecticisme in de beeldhouwkunst.

---

Zie hier de Top 10 bekendste Franse schilderijen.

---

Gustave Courbet, Un enterrement à Ornans (1849-1850)

Een Begrafenis in Ornans

In de zomer van 1849 begon Gustave Courbet (1819-1877) aan zijn eerste monumentale werk, de afbeelding van een begrafenis in zijn geboorteplaats, de stad Ornans.

Het horizontale formaat en het gebruik van zwarte tinten suggereren dat de kunstenaar respectievelijk inspiratie haalde uit 17e-eeuwse Nederlandse portretten zoals Frans Hals‘ Schuttersstuk van de Magere Compagnie en uit Spaanse meesters waaronder Diego Velázquez.

Wie was overleden? Volgens verschillende bronnen was het Courbets grootvader of een lid van de familie Proudhon, die vrienden van de schilder waren. Op de Salon van 1850-1851 bekritiseerden velen de ‘lelijkheid’ van de personages en de banaliteit van het onderwerp.

Courbet is ook bekritiseerd omdat hij de afmetingen gebruikte die gewoonlijk waren gereserveerd voor historiestukken om een alledaagse gebeurtenis af te beelden. De compositie werd door de kerk geïnterpreteerd als antiklerikaal.

Sommige tijdgenoten van Courbet zagen het werk als een manifest voor democratische idealen.  Een Begrafenis in Ornans voorspelde het einde van het academisme en kondigde de geboorte van het realisme aan.

---

Jean-François Millet, L’Angélus (1857-1859)

De Angelus

Een man en een vrouw zijn gestopt met het rooien van aardappelen.  Ze hebben hun gereedschap laten vallen om de Angelus te bidden. Dit is een gebed dat de Aankondiging herdenkt, het bijbelse verhaal waarin Gabriël aan Maria vertelt dat zij Gods zoon zal baren.

De scène, door Jean-François Millet (1814-1875), had zijn wortels in een jeugdherinnering uit 1865.

Het idee voor De Angelus kwam bij me op omdat ik me herinnerde dat mijn grootmoeder, als ze de kerkklok hoorde luiden terwijl we op het land werkten, ons altijd liet stoppen met werken om de Angelus te bidden voor de arme overledenen.

De realistenschilder, bekend om zijn humaniserende weergaven van boeren, was zelf geen kerkganger. Maar in dit schilderij, zoals in veel van zijn andere werken, geeft hij zijn afbeelding van landbouwarbeiders in het landschap een gevoel van het sublieme.

Het schilderij is in 1910 aan de Franse staat nagelaten en in 1986 naar het Musée d’Orsay overgebracht.

---

Alexandre Cabanel, Naissance de Vénus (1863)

De geboorte van Venus

Dit schilderij van Alexandre Cabanel (1823-1889), dat knipoogt naar Jean-Auguste-Dominique Ingres‘ Venus Anadyomene uit 1808 en naar 18e-eeuwse meesters zoals François Boucher en Jean-Honoré Fragonard.

Het toont de Romeinse godin van de liefde die als volwassen vrouw op het water verschijnt, vergezeld van cupido’s. Het titular evenement was, net als veel andere mythologische episodes, een 19e-eeuws excuus voor de kunstenaar om een naakte vrouw in een opwindende pose af te beelden.

Hoewel het is aangekocht door Napoleon III op de Salon van 1863 en waarschijnlijk verantwoordelijk was voor Cabanels daaropvolgende aanstelling als professor aan de École des Beaux-Arts de Paris, zorgde deze klassieke scène voor veel controverse.

Een criticus was de Franse auteur Émile Zola, die Venus’ teint niet waardeerde: ‘De godin, verdronken in een zee van melk, lijkt op een heerlijke courtisane, maar niet van vlees en bloed – dat zou onfatsoenlijk zijn – maar gemaakt van een soort roze en witte marsepein.’

---

Jean-Baptiste Carpeaux, La Danse (1868)

De Dans

In 1863 gaf architect Charles Garnier zijn vriend Jean-Baptiste Carpeaux (1827-1875), die de Grand Prix de Rome had gewonnen, de opdracht om een werk te beeldhouwen voor de gevel van het Parijse operahuis.

Terwijl François Jouffroy, Eugène Guillaume en Jean-Joseph Perraud respectievelijk de thema’s harmonie, instrumentale muziek en lyrisch drama kregen toegewezen, moest Carpeaux de dans vertegenwoordigen.

Glimlach van prinses Hélène von Racowitza

Vastbesloten om beweging vast te leggen, wat hij uiteindelijk deed door zowel een verticale als een cirkelvormige beweging te combineren, maakte de kunstenaar veel schetsen en modellen. Dit voordat hij tot actie overging.

Voor de centrale figuur die oprijst uit een ring van maenaden, zou Carpeaux het lichaam hebben geleend van een timmerman die voor hem werkte. De glimlach is van prinses Hélène von Racowitza. Het publiek was geschokt door de realiteit van deze naakte figuren.

Er is zelfs een inktfles naar het reliëf gegooid en om verwijdering ervan gevraagd. De oorlog van 1870 en het overlijden van de beeldhouwer maakten een einde aan de controverse.

---

Zie hier de Top 10 beroemdste schilders uit Schotland.

---

James McNeill Whistler, Arrangement in Grey and Black No.1 / Whitler’s motherArrangement in Grijs en Zwart nr. 1 (1871)

Arrangement in Grey and Black No.1 / Whitler’s moeder

James McNeill Whistler (1834-1903) is geboren in Amerika. Hij bracht het grootste deel van zijn carrière door in Londen en Parijs, waar hij in 1856 de studio van Charles Gleyre aan de École des Beaux-Arts betrad.

Hij was een vriend van Henri Fantin-Latour, die hem beschouwde als een van de leiders van de Franse avant-garde. Het Arrangement in Grey and Black No. 1 is ook bekend als Portret van de Moeder van de Kunstenaar.

Het toont Anna Mathilda McNeill Whistler gekleed in een lange zwarte jurk, zittend in linker profiel in het atelier van de kunstenaar in Londen. Het gedempte palet kan haar soberheid weerspiegelen.

Gezien Whistler’s ‘Thames River, Black Lion Wharf (1859)’ die op de achtergrond hangt, kan het ook worden geïnterpreteerd als de voortzetting van de experimenten van de kunstenaar met prentkunst. Het schilderij werd in 1891 door de Franse staat aangekocht.

---

Berthe Morisot, Le Berceau (1872)

De Wieg

De Wieg, door Berthe Morisot (1841-1895), is een intieme weergave van Morisots zus Emma en Emma’s pasgeboren baby, Blanche.

Morisot zelf was op 31-jarige leeftijd nog steeds ongehuwd. Ze trouwde pas in 1874 met Eugène Manet en werd pas in 1879 moeder. De Wieg is getoond op de Impressionistische Tentoonstelling van 1874 – de eerste van de groep – en had destijds weinig impact.

Het zou volledig onopgemerkt zijn gebleven als het niet was opgemerkt door een paar critici die gevoelig waren voor het delicate palet. Het is pas in 1930 verkocht, toen het Louvre het van de familie van de kunstenaar kocht.

---

Edouard Manet, Berthe Morisot au bouquet de violettes (1872)

Berthe Morisot met een Boeket Viooltjes

Eind 1871 kon Édouard Manet (1832-1883), die tijdens de Frans-Pruisische oorlog en de Commune van Parijs niet had kunnen schilderen omdat hij dienst deed in de nationale garde, weer aan het werk en contact opnemen met zijn vroegere modellen.

Hieronder bevond zich mede-kunstenaar Berthe Morisot.  Hij ontmoette haar in 1868 in het Louvre. Manet maakte een dozijn portretten van Morisot, die met zijn jongere broer trouwde.  Zij sloot zich in 1874 bij de impressionistische beweging aan.

Deze toont haar geheel in het zwart gekleed, een trendy kleur in de mode van de late 19e eeuw, en met een boeket viooltjes in de hand. De uitvoering getuigt van Manets bewondering voor Spaanse meesters, onder wie Diego Velázquez.

---

Gustave Caillebotte, Raboteurs de parquet (1875)

De vloerschrapers

Voor De vloerschrapers putte Gustave Caillebotte (1848-1894) uit zijn academische opleiding om een alledaagse scène van arbeiders aan het werk af te beelden. Zijn benadering van perspectief was misschien traditioneel.

Zijn onderwerpen doen denken aan Griekse beelden, maar de inhoud van het schilderij beviel de jury van de Parijse Salon van 1875 niet, die het ‘vulgair’ vond.

De 28-jarige kunstenaar presenteerde het werk echter op de tweede impressionistische tentoonstelling in 1876. Dit deed hij samen met een andere versie van de compositie die eerder datzelfde jaar was gemaakt.

Critici uit die tijd waren minder dan welkom. Emile Zola bijvoorbeeld vond het schilderij ‘anti-artistiek’ en ‘zo nauwkeurig dat het burgerlijk was’.

Het is oorspronkelijk geschonken aan de Franse staat door de familie van Caillebotte in 1894, overgebracht naar het Louvre in 1929 en in 1986 naar het Musée d’Orsay.

---

Pierre-Auguste Renoir, Bal du moulin de la Galette (1876)

Dans op de Moulin de la Galette

Deze populaire scène is ongetwijfeld een van Pierre-Auguste Renoir’s belangrijkste werken. De kunstenaar (1841-1919) presenteerde het op de impressionistische tentoonstelling van 1877.

Het is twee jaar later gekocht door zijn collega Gustave Caillebotte, die het in 1894 aan de Franse staat naliet.

De kunstcriticus Georges Rivière, die in het schilderij voorkomt, zei: ‘Het is een bladzijde uit de geschiedenis, een kostbaar monument van het Parijse leven [geschilderd] met rigoureuze nauwkeurigheid.’

Zelfs als Renoir enkele van zijn vrienden in de compositie opnam, zoals schilders Norbert Goeneutte en Franc-Lamy, was zijn doel om niet een moment uit zijn privéleven vast te leggen, maar de sfeer van een specifieke locatie, de Moulin de la Galette in de wijk Montmartre.

Drie gebieden worden afgebeeld: de zittende personages op de voorgrond die een gesprek voeren, de menigte achter hen die danst, en de band die optreedt in een soort omheining achteraan.

Het wazige effect dat door deze gelaagdheid wordt gecreëerd, was destijds niet naar ieders smaak. Vandaag de dag zou het moeilijk zijn om de moderniteit van het stuk te ontkennen.

---

Claude Monet, La Gare Saint-Lazare (1877)

Het station van Saint-Lazare

In 1877 arriveerde Claude Monet (1840-1926) in Parijs vanuit Argenteuil, waar hij de voorgaande zes jaar had doorgebracht. De verhuizing van het rustige platteland naar de hectische hoofdstad bracht een verandering in zijn onderwerp met zich mee.

Pas neergestreken in de wijk Nouvelle Athènes, begon de kunstenaar te schilderen in het station Saint-Lazare, waar hij een nieuwe bron van inspiratie vond. Dit werk was het eerste van een serie van 12 schilderijen van hetzelfde onderwerp, uitgevoerd vanuit verschillende gezichtspunten.

Monet stuurde de eerste acht naar de derde impressionistische tentoonstelling, waar de groep de term impressionisme voor zichzelf opeiste.

---

Edgar Degas, Petite danseuse de quatorze ans (ca. 1878-1881)

Kleine Danseres van 14 Jaar

Toen Edgar Degas (1834-1917) stierf, werden 150 was- en kleisculpturen gevonden in zijn atelier. Geen van deze werken was eerder in het openbaar getoond, behalve de Kleine Danseres van 14 Jaar.  Deze presenteerde de kunstenaar op de impressionistische tentoonstelling van 1881.

Het 97 centimeter hoge bronzen beeld  is één van de 28 exemplaren die na Degas’ overlijden zijn gegoten Deze bevinden zich nu in de collecties van musea en galerieën over de hele wereld.

Het beeld toont de Belgische danseres Marie van Goethem, een leerling van de balletschool van de Opéra de Paris. Ze is gekleed in een echte tutu en met een echte lint in haar haar.

Niet alle critici die de Kleine Danseres van 14 Jaar in 1881 zagen, begroetten haar met open armen. Joris-Karl Huysmans noemde het misschien wel ‘de eerste echt moderne poging tot beeldhouwkunst’.

Het beeld is ook ‘beestachtig’ genoemd en vergeleken met een aap. Criticus Paul Mantz noemde haar zelfs een ‘bloem van vroegtijdige verdorvenheid’ met een gezicht ‘gemarkeerd door de hatelijke belofte van elk mogelijk kwaad’ en ‘dragende de tekenen van een diep verdorven karakter’.

---

Auguste Rodin, Porte de l’Enfer (1880-1917)

De Poorten van de Hel

Ja, Auguste Rodin heeft zijn eigen museum in Parijs, maar één van zijn werken heeft een bijzondere band met het Musée d’Orsay. In 1880 gaf de Franse staat de beeldhouwer de opdracht om deuren te ontwerpen voor een nieuw museum voor decoratieve kunsten.

Oorspronkelijk zou dit museum worden gebouwd binnen de ruïnes van het Palais d’Orsay, dat tijdens de Commune van Parijs is verwoest.

Volgens Rodins plan zouden de monumentale hoofdingangen worden versierd met 11 lage reliëfs geïnspireerd op Dante’s ‘Inferno’. Dit is het eerste deel van de goddelijke komedie van de dichter.

Drie jaar later werd het museumproject verlaten en werd in plaats daarvan een treinstation gebouwd. Een station dat uiteindelijk zou worden omgevormd tot het Musée d’Orsay.

Voortdurend werk in uitvoering

De Poorten zijn een voortdurend werk in uitvoering, waarbij de kunstenaar nieuwe sculpturen baseerde op enkele van de figuren in het stuk, waaronder De Denker (Dante zelf), De Drie Schaduwen en De Kus.

Rond 1890 stopte Rodin met werken aan de Poorten, maar in 1917 is hij door de curator van het nieuwe Musée Rodin overtuigd om het werk af te maken en in brons te laten gieten.

Rodin stierf echter zonder ooit het resultaat te zien. Tegenwoordig is een gipsafgietsel gemaakt van het bronzen beeld uit 1917 in langdurige bruikleen aan het Musée d’Orsay, op de grond waarvoor het oorspronkelijk bedoeld was.

Zie hier de Top 10 beroemdste beelden van Auguste Rodin.

---

Vincent van Gogh, Sterrennacht (1888)

Van de meer dan twee dozijn werken van Vincent van Gogh in het Musée d’Orsay, waaronder Kamer in Arles en Portret van de Kunstenaar, is het bijna onmogelijk om een favoriet te kiezen, maar Sterrenhemel (1888) staat hoog op de lijst.

Zodra hij in februari 1888 in Arles aankwam, begon Van Gogh (1853-1890) zich te concentreren op ‘nachteffecten’. In een brief aan zijn broer Theo in april 1888 schreef hij: ‘Ik heb een sterrennacht nodig met cipressen of misschien boven een veld met rijpe tarwe.’

Aan een zus vertrouwde hij in september toe: ‘Vaak lijkt het mij dat de nacht nog rijker gekleurd is dan de dag.’ Later die maand bereikte de kunstenaar eindelijk dit door blauw gedomineerde uitzicht op de rivier de Rhône, waar sterren en de lichten van de stad in harmonie fonkelen.

De gelijknamige en meer turbulente Sterrennacht, die hij kort daarna schilderde in de inrichting Saint-Paul de Mausole in Saint-Rémy, is te zien in het Museum of Modern Art in New York.

---

Paul Sérusier, Le Talisman (Paysage au Bois d’Amour) (1888)

De Talisman (Het Bois d’Amour bij Pont Aven)

In de zomer van 1888 verlaat Paul Sérusier (1864-1927) Parijs voor de stad Pont-Aven met een introductiebrief van de schilder en schrijver Émile Bernard. Hier produceert hij De Talisman (1888) onder de hoede van Paul Gauguin.

Schilder Maurice Denis zou later melden dat Gauguin Sérusier adviseerde: ‘Hoe zie je deze bomen? Ze zijn geel. Dus schilder ze geel; deze schaduw, eerder blauw, schilder het met puur ultramarijn; deze rode bladeren? Gebruik vermiljoen.’

Bij zijn terugkeer naar Parijs liet Sérusier zijn vrienden, de toekomstige Nabis, het stuk zien. Het werd een icoon van hun beweging, die geloofde dat een schilderij, boven alles, een arrangement van kleuren op een vlak oppervlak was.

Voor dit werk, zei Denis, voelden hij en zijn vrienden zich ‘bevrijd van alle jukken die het idee van kopiëren met zich meebracht voor [onze] schildersinstincten.’

---

François Gauzi, Lili Grenier en kimono et à la coiffure fleurie, dans l’atelier d’Albert Grenier (ca. 1888)

Lili Grenier in een Kimono in het Atelier van Albert Grenier

In 2022 verwierf het Musée d’Orsay fotoalbums met meer dan 100 foto’s van het model en de socialite Noémi Amélie Sans, alias Lili Grenier, gemaakt door François Gauzi (1862-1933).

Een deel van deze aanwinst wordt momenteel tentoongesteld, waaronder een portret van haar in een kimono. Bekend om haar vrolijke karakter, begon ze te poseren voor schilder Fernand Cormon, die haar sproetige huid en haar weelderige haar waardeerde.

Ze woonde met kunstenaar Albert Grenier in de wijk Montmartre. Het paar stond bekend om het geven van extravagante verkleedfeesten, vaak bijgewoond door Henri de Toulouse-Lautrec, die een tijdje bij hen woonde, en vele andere kunstenaars.

---

Edward Burne-Jones, The Adoration of the Magi (1890)

De Aanbidding der Koningen

In opdracht van 1886 door de rector van Exeter College, Oxford, was deze bijbels getinte compositie het eerste wandtapijt dat werd ontworpen door Edward Burne-Jones (1833-1898). Zijn voorlopige schets wordt nu bewaard in het Victoria & Albert Museum in Londen.

William Morris, een toonaangevende figuur van de Britse Arts & Crafts-beweging, met wie Burne-Jones al 10 jaar samenwerkte, richtte een team van wevers op in Merton Abbey om het werk tot leven te brengen.

Andere studies waren bedoeld om te worden aangepast tot glas-in-loodramen. De Aanbidding der Koningen is in 1890 voltooid en kreeg veel lof. Negen versies zijn vervaardigd tussen 1890 en 1907.

---

Paul Gauguin, Portrait de l’artiste au Christ jaune (1890-1891)

Portret van de Kunstenaar met de Gele Christus

Als Gauguin dit werk schildert staat hij aan de vooravond van zijn eerste reis naar Tahiti. Dit cruciale werk zou als een driedubbel zelfportret kunnen worden beschouwd.

De kunstenaar neemt het midden van de compositie in, zijn uitdrukking wijzend op zijn vastberadenheid om te ontsnappen aan zijn persoonlijke en professionele problemen. Succes had hem nog niet gevonden en zijn vrouw had hem verlaten om met hun kinderen terug te keren naar Denemarken.

Op de achtergrond zijn twee contrasterende stukken te zien die het voorgaande jaar waren geschilderd. Een lijdende Christus gemaakt naar het beeld van de schilder en de antropomorfe Pot in de vorm van een grotesk hoofd.

De kunstenaar verwees naar het laatste doek als ‘Hoofd van Gauguin de Wilde’, alsof hij al wist welk soort leven hij voor zichzelf zou creëren in de koloniën.

---

Paul Cézanne, Les Joueurs de cartes (1890-1895)

De Kaartspelers

In de jaren 1890 behandelde Paul Cézanne (1839-1906) het onderwerp kaartspelers, dat hij mogelijk had geleend van Caravaggio en van de gebroeders Le Nain.

Van de vijf versies van De Kaartspelers die Cézanne schilderde, valt in deze vooral de symmetrische opstelling van zijn modellen op, boeren die de schilder zou hebben gezien in het Jas de Bouffan, het landgoed van zijn vader in de buurt van Aix-en-Provence.

De fles op tafel markeert het midden van de compositie en accentueert de stille confrontatie tussen de twee tegenstanders.

---

Odilon Redon, Arbres sur un fond jaune (1901)

Bomen op een Gele Achtergrond

De Franse symbolist Odilon Redon (1840-1916) maakte dit paneelschilderij, en meer dan een dozijn anderen, voor een kasteel dat toebehoorde aan baron Robert de Domecy. De Domecy was één van zijn meest ondersteunende beschermheren.

De opdracht kwam op een keerpunt in de evolutie van de kunstenaar, toen de 60-jarige Redon zich van donkere prenten en houtskooltekeningen naar felgekleurde pastels en oliën bewoog. Met de mogelijkheid om op grotere schaal te werken, begon hij de grens tussen kunst en decoratie te vervagen.

‘Ik bedek de muren van een eetkamer met bloemen, bloemen van dromen, fauna van de verbeelding.’ schreef hij aan zijn vriend, verzamelaar Andries Bonger. In zijn schaal, behandeling van ruimte en mix van media, waaronder olie, tempera, houtskool en pastel, ziet dit schilderij er opvallend eigentijds uit.

---

Camille Claudel, L’Age mur (ca. 1902)

De Rijpheid

Een jonge vrouw op haar knieën heeft net een man losgelaten die door een oudere vrouw lijkt te worden meegenomen. Deze beeldengroep kan worden geïnterpreteerd als een allegorie van het ouder worden, met de jeugd achter zich en de dood recht voor zich, maar De Rijpheid kan ook autobiografisch worden gezien.

Hierin zou Camille Claudel (1864-1943) zichzelf hebben gebeeldhouwd. Zij is verlaten door haar mentor en voormalige geliefde Auguste Rodin, die zich niet kon losmaken van zijn toekomstige vrouw, Rose Beuret.

Auteur en diplomaat Paul Claudel schreef over dit werk: ‘Mijn zus Camille, smekend, vernederd, op haar knieën, dat prachtige, trotse wezen, en wat haar hier recht voor je ogen wordt afgenomen, is haar ziel.’

Nadat hij Camille had verlaten, hielp Rodin haar deze opdracht van de Franse staat te krijgen, haar eerste, in 1895.

---

André Derain, Pont de Charing Cross (ca. 1906)

Charing Cross Bridge

Op de Salon d’Automne van 1905 werd André Derain (1880-1954) tentoongesteld in dezelfde galerij als tijdgenoten Henri Matisse, Maurice de Vlaminck en Kees van Dongen. Kijkend naar een sculptuur van Albert Marque, zou een criticus hebben geroepen: ‘Kijk, het is Donatello onder wilde beesten!’

Dit vertaalt naar ‘fauves’ in het Frans). Deze anekdote verklaart de oorsprong van de term fauvisme, één die werd overgenomen door een groep jonge kunstenaars, waaronder Derain. Zij geloofden in de kracht van pure kleur om sensaties en emoties uit te drukken.

Een paar maanden later ging Derain naar Londen en produceerde ongeveer 30 schilderijen, waaronder Charing Cross Bridge. Het schilderij toont voertuigen toont die een bocht nemen op de Victoria-oever.

De tamponneertechniek die wordt gebruikt om de met geel verzadigde lucht en het water te schilderen, toont de invloed van het neo-impressionisme. Dit terwijl de lichte vervorming van de auto’s een bijna futuristisch gevoel van snelheid geeft.

---

Henri Rousseau, La Charmeuse de serpents (1907)

De Slangenbezweerder

Henri Rousseau (1844-1910), een centrale figuur van de naïeve beweging, schilderde deze maanverlichte scène van een zwarte Eva in een junglekleurige Hof van Eden met blokken van intense donkere kleuren, silhouetten tegen een lichtere lucht.

De menselijke figuur, de dieren en de extravagante vegetatie zijn allemaal met evenveel toewijding afgebeeld in dit werk.  Het werk is gemaakt in opdracht van de moeder van Robert Delaunay.

Rousseau, die pas laat in zijn leven begon te schilderen, reisde zelden. De meeste van zijn junglescènes zijn geschilderd in het natuurhistorisch museum of de botanische tuinen in Parijs. Schrijvers Alfred Jarry, André Breton en Guillaume Apollinaire behoorden tot zijn grootste fans.

---

François Pompon, Ours blanc (1923-1933)

IJsbeer

Deze slanke beer is het werk van François Pompon (1855-1933). Hij begon met het bewerken van marmer voor andere beeldhouwers voordat hij zijn eigen esthetiek van gladde, afgeronde vormen ontwikkelde.

In de late jaren 1870, na te hebben gediend als assistent van Rodin, keerde de kunstenaar de menselijke figuur de rug toe. Pompon ging zich bezighouden met de dierentuindieren die hij graag observeerde in de Jardin des Plantes.

IJsbeer, samen met andere gestileerde afbeeldingen van vogels en dieren, was het resultaat. Deze monumentale sculptuur (meer dan twee meter lang) is getoond op de Salon van 1922 en bracht de 67-jarige kunstenaar late erkenning.

‘Ik maak eerst een groot aantal details die later verdwijnen.’, aldus Pompon. ‘Ik maak eerst het dier met bijna al zijn versierselen. Vervolgens elimineer ik ze geleidelijk.’

 

---

25 Meesterwerken in het Musée d’Orsay in Parijs

1. Honoré Daumier, Les Célébrités du Juste milieu (1832)
2. Auguste Clésinger, Femme piquée par un serpent (1847)
3. Gustave Courbet, Un enterrement à Ornans (1849-1850)
4. Jean-François Millet, L’Angélus (1857-1859)
5. Alexandre Cabanel, Naissance de Vénus (1863)
6. Jean-Baptiste Carpeaux, La Danse (1868)
7. James McNeill Whistler, Arrangement in Grey and Black No.1 / Whitler’s motherArrangement in Grijs en Zwart nr. 1 (1871)
8. Berthe Morisot, Le Berceau (1872)
9. Edouard Manet, Berthe Morisot au bouquet de violettes (1872)
10. >Gustave Caillebotte, Raboteurs de parquet (1875)
11. Pierre-Auguste Renoir, Bal du moulin de la Galette (1876)
12. Claude Monet, La Gare Saint-Lazare (1877)
13. Edgar Degas, Petite danseuse de quatorze ans (ca. 1878-1881)
14. Auguste Rodin, Porte de l’Enfer (1880-1917)
15. Vincent van Gogh, Sterrennacht (1888)
16. Paul Sérusier, Le Talisman (Paysage au Bois d’Amour) (1888)
17. François Gauzi, Lili Grenier en kimono et à la coiffure fleurie, dans l’atelier d’Albert Grenier (ca. 1888)
18. Edward Burne-Jones, The Adoration of the Magi (1890)
19. >Paul Gauguin, Portrait de l’artiste au Christ jaune (1890-1891)
20. Paul Cézanne, Les Joueurs de cartes (1890-1895)
21. Odilon Redon, Arbres sur un fond jaune (1901)
22. Camille Claudel, L’Age mur (ca. 1902)
23. André Derain, Pont de Charing Cross (ca. 1906)
24. Henri Rousseau, La Charmeuse de serpents (1907)
25. François Pompon, Ours blanc (1923-1933)

---